2025年，影视内容制作的周期从以“年”、“月”为单位，骤然缩短至以“周”甚至“天”计时，冲击波首先抵达产业一线，继而猛烈撞击着传统教学体系的围墙。
置身于这场变革中心，四川传媒学院智能影像艺术学院的教师团队，联合万兴剧厂，以一部AI动漫剧集《诛仙天道下，我逆命改运》（后简称《诛仙》）为样本，完整践行了从剧本策划、AI创作到成片交付的全流程产业实践。该片已登录红果短剧平台，热度2500万！
《诛仙天道下，我逆命改运》是一部围绕“逆天改命”主题的3D风格漫剧。主角云渊从被囚的“活体封印”觉醒反抗既定天道，故事充满命运角逐的张力。该剧从前期概念设计到成片，仅用时约20-25天，其中使用万兴剧厂进行核心的AI创作生成部分仅耗时2周。它并非技术demo，而是一部即将在春节档正式上线的精品剧集。
在此，教师、制片人、导演的身份高度重合，他们超越了单纯的技术应用，同时直指更本质的问题：当AI大幅替代了执行环节，创作的核心究竟移向何处？高校的专业教学，又该如何从“授人以技”转向“授人以界”？
四川传媒学院智能影像艺术学院，围绕 “作品共创、工作流变革、产教融合、学生培养” 四大核心，展开了一场关于现状与未来的探讨。
创作现场 ： “五到十倍”的效率革命
“我们要考虑的不是什么适合用AI来实现，我们可能要想是什么是AI实现不了的，或者它实现的还不够好，我们要如何去解决。。”——杨雅惠
“AI的工具提高效率，五到十倍是要有的，周期压缩了七到九成。”——杨云龙
Q1
想请老师来介绍一下《诛仙天道下我逆命改运》这部剧的内容、亮点和制作上的创新。
A
回答人：杨雅惠
我们的这部作品是一个讲逆天改命、违抗天道的设定。这类主题本身带有较强的戏剧张力和思辨色彩。这部剧比较特别的地方在于角色的多重反转身份。不仅是主角团，配角的设定也非常立体，并非单一的定位。女性角色的设定也比较好，不是依附于爱情，她们各有使命，且每个人的身份在剧中都有一定的隐喻，会在故事后期逐一揭晓，结局也有一些意料之外。
在制作创新方面，传统动画一般先做静态分镜画面，再做成动态分镜视频，最后做成动画。但现在万兴剧厂的AI制作流程，已经不需要把静态分镜图重新绘制成镜头画面——AI生成的分镜图是根据我们已经设定好的角色、场景和物品直接生成的镜头画面。另一方面，AI生图、生视频有一些随机性，这种随机性不是贬义的，有时会带来惊喜。
回答人：杨云龙（补充）
这部剧的题材我一直很喜欢，从内核来讲，它是一种“我命由我不由天”的感觉，和哪吒的内核有点类似。主角从预告片也能看出，他是从小被困到大的，最终选择抵抗、违抗天道这条诛仙之路。
（《诛仙》人物资产）
Q2
《诛仙》这部剧的哪些核心创意点让大家觉得比较适合用AI来实现？
A
回答人：杨雅惠
我觉得这个问题不是特别好回答。AI进步真的很快。我们要考虑的，其实不是什么非常适合用AI实现，我们可能要想的是什么是AI实现不了的，或者它实现的还不够好，我们要如何去解决。
Q3
基于老师双重背景的实践经验，希望下一代的AI创作工具在哪个方面取得突破，以更好地服务商业创作和系统性教学？
A
回答人：杨雅惠
工具层面，比较希望在多人场景时的角色可控性可以得到提升。
从教学角度来讲，万兴剧厂提供的制作流程已经非常清晰了。但是在分镜部分，可能还是需要我们更多的人为控制，需要学生更具有导演思维，也需要比较扎实的视听语言基础。像万兴剧厂提供的分镜图片提示词描述中，默认有结构化的提示词描述，比如构图、景别、拍摄机位、拍摄角度、灯光等等，这些都非常好。但是在调整的过程中如果遇到新增的镜头，对学生来说这方面的经验不足——他没有传统影视创作那种真实的实操感，让他自己写的时候可能想不起来。
（《诛仙》场景资产）
产业视野：效率平权与超级个体的前夜
“手绘分镜的环节，它直接消失了。不是因为他（分镜师）不努力，是因为这是时代的选择。”——杨云龙
“试稿成本降低，试错成本降低之后，所有人都能看见这块蛋糕到底有多大。”——杨云龙
Q4
在双重身份下，大家觉得AI给内容产业和传统教育带来的冲击，哪一个会更强烈一点？
A
回答人：杨云龙
这个问题问出了我们高校教育工作者的疑惑。对于我个人来讲，我觉得对于内容产业的冲击是更剧烈、更加有及时性、结构性的。对于传统的高校影视教育，它的冲击是属于更底层、更长期，但烈度和紧迫性是没有产业来得大的。
因为市场是真金白银铸就的。传统的动画和影视是一个高门槛、重资产、长周期的行业。我自己大概算了一下，成本压缩了50%到90%，周期也压缩了将近一半甚至更多。
对于岗位，我觉得替代是及时性、规模化的。最明显的例子就是大量的执行层岗位——像基础原画助理、视频粗剪、字幕配音助理、简单合成等岗位——是直接消失了。我想起很残酷的一点：是因为他不努力吗？不是，是时代的选择。从去年年初到现在，手绘分镜环节直接消失了。
对于教育来讲，我觉得是具有滞后性的，它的改变是从供给侧开始改变，由外部原因导致能力底层的重构，不属于立即淘汰，但是一个长周期。传统影视教育的核心还是技法训练，包括手绘、逐帧、软件操作、基础剪辑。但AI时代这相当于一个新行业，老师和学生是同一起跑线，师生之间的教学界限变得模糊。我很大方承认我的学生做得比我厉害——虽然我教他们用AI，但现在他们比我更厉害，我还经常问他们这个效果怎么实现、提示词怎么写。
追问
对于一些头部大公司以及长期在传统影视里的老师来说，近一段时间还能够维持的竞争力在哪里？
A
回答人：杨云龙
在于资源和高端人才——具有导演思维、审美的人才，以及长时间笼络才能积累下来的资源。短时间内，这两项最起码不会被快速的技术冲击冲破，算是一道护城河。
Q5
AI工具介入后，内部的协作流程发生了什么变化？编剧、导演、美术、后期这些职责的边界是否有模糊？协同方式有没有革新？
A
回答人：杨云龙
编剧加导演加摄影组加后期，大框架上还是跟传统影视没有变化。编剧还是传统的前提条件，但多了一个前提条件：编剧得懂AI，而且要求跟组。编剧不懂AI，写出来的东西AI完全实现不了。另外，导演现在的职责发生了变化，导演现在主要的职责变成了创意加制片加决策。
回答人：张亚楠（补充）
我觉得各个职责之间的联系比之前更加紧密。现在我们做片子后期，我们的后期剪辑机房就在生图生视频的工作团队旁边。
Q6
这个项目原本预计工期是多久？AI加入后缩短到了什么时间？
A
回答人：杨云龙
这部剧我们差不多花了20到25天跑完所有流程。真正用万兴剧厂AI执行的部分14天左右。
教学现场：当“课堂”与“片场”边界消失
“课堂重心慢慢由原来的技术化东西，转向给同学们更多审美上的分享。”——张亚楠
“教学重心慢慢地进行偏移的同时，也是对老师提出了更高的要求。”——张亚楠
Q7
目前的工作流是否已经影响到了院校教学的传统范式？校园内是否已经发生了一些变化？
A
回答人：张亚楠
比如以前我教拍摄和剪辑，上课会花绝大多数时间教学生怎么用摄像机、怎么用剪辑软件、完成基础性技术性操作，这可能占到课程时间的70%。但现在教学重心就慢慢由原来的技术化东西，更多转向创意、叙事，给大家更多审美上的分享。教学重心在慢慢偏移，同时也对老师提出了更高要求。
Q8
学生们在什么阶段开始加入AI工具学习比较合适？
A
回答人：张亚楠
我觉得随时都可以，在每个阶段都可以用到AI工具。
以往想出完一个故事设定，最终实现出来可能是几周后的事情了。但现在提出创意，马上可以拆分，很短时间就能出大致人物资产、场景资产，甚至分镜头。不像以前我上课经常跟同学说“脑子里一定要有画面感”，现在不光脑子里有，可以直接呈现出来，效率和效果更好。
Q9
在教学工作中，人类的直觉、情感等能力，具体体现在AI工作流的哪些决策环节，可以帮助成片往更优质方向发展？
A
回答人：张亚楠
我非常认同“AI替代不了人的创造力”这个观点。在实际创作过程中，比如选题立意、故事内核、情绪节奏、价值观——这些最核心、最有灵魂的地方，AI替代不了。这也是我们之后在教学过程中需要守住、也需要让大家强化的部分。
未来定义 ： 范式迁移中，何为不变的“核心”？
“我建议在校生呢，从现在开始深入现实生活，（你的创作）要解决的都是人和人之间关系的问题。”——张志斌
“人会面临色声香味触法，面临对世界的感知，比如‘某天西伯利亚暖湿气流吹到身边，让你突然想起多年前失去的狗’，这种东西AI理解不到。”——张志斌
Q10
制作端的变革，技术岗位大面积减少，对目前在校生有什么更直接、新的能力上的要求？
A
回答人：导演张志斌
现在提导演思维很重要，但我们要搞清楚什么是导演思维。导演思维一是经验学习，二是审美判断。审美判断依赖创作者个体的审美修养，需要很长时间养成。并不是说能从A和B两个画面中选一个自己更喜欢的、更好看的——这都不是审美修养。真正的审美修养是能够提出一个精神高度或符号高度的对美状态的审视。这需要很长时间，通过优秀美术作品、跨文化作品去提升自己的审美修养。技术更形而下，艺术更形而上。
我想强调，对于在校生，最应该培养的是创意能力。因为创意能力不单单是你点子多，更多的是对现实生活的理解、对受众需求的持续关注、对自身表达的不断挖掘。
————————————————
首先，我建议在校生从现在开始深入现实生活，充分体验、理解人和人之间的关系——因为不管讲剧还是面对受众的艺术品，都要解决人和人之间关系的问题。
第二，关注观众需求。好的艺术创作一定是贴近观众需求的，观众有什么需求、社会有什么热点、大家有什么期盼，这些需要关注。
第三，不拘泥于自身表达，寻求更多表达方式和艺术门类的结合。AI的出现会在艺术表现上带来更多方式，我们应更多寻求艺术门类的结合，比如绘画和音乐、传统艺术和现代科技，找到更多表达方式。
我还特别希望在校生去修炼基本功。什么是基本功？我们戏剧影视学科，文学是根本。很多同学连看剧本都会头疼——你要做剧或艺术品，连一本像样的小说都没看过，或一段稍微像样的文字都没读过，是不应该的。第二是培养对音乐的欣赏能力，因为抽象的音乐最接近艺术本质。第三是视听语言能力，从文学剧本到视听语言的推进，是非常重要的能力。同时，AI不断发展，希望同学们更多采用工科思维去面对要创作的艺术品，要有很好的逻辑能力。
Q11
目前AI随机算法拓展了视觉可能性，但如何引导学生培养更高阶的AI审美和提示词语法能力，从而精准驾驭AI，而非纯碰运气？
A
回答人：张志斌
培养驾驭AI视觉生成的能力，最开始可能就是碰运气，然后才能转向一套系统的思维和工作方法。总的来说，它不仅仅是一种学习技巧，更是建立一种跟AI协同创作的新思维框架。
从几个方面来讲：
1.能力的维度：首先要理解AI的视觉心智——即AI用什么理解文字；第二是培养高阶的AI审美，因为AI基于现有大模型学习，是采样然后重构；第三是掌握精准的提示词语法；第四是构建系统化的工作流。
2.如何理解AI的视觉心智：很大程度上依赖高关联性词汇，比如艺术家的名字（如张艺谋、王家卫，摄影师Roger Deakins），相关电影的术语（虽然目前AI还没完全按电影术语创作，但未来肯定可以），以及专业领域的术语来激活特定的AI数据指令或数据集。
3.高阶审美：更多是除开画面美感外，追求叙事深度、观众情感共鸣、镜头概念的创新。视听语言从诞生到现在一直在更新、进步、发展。
4.精准提示词：从最开始堆砌关键词，逐步升级到关键词有优先级、有逻辑结构，或视觉编程。在AIGC服务影视时，更多可能需要工科思维。
5.工作流：workflow本身是工科术语。对于同学们来说，什么时候上车都不晚，但一定要有意识。
我经常开玩笑说，未来世界有一项非常著名的非物质文化遗产叫“拍电影”，未来大家都是非物质文化遗产传承人（传统干影视的）。
Q12
AI可能会让学生陷入形式主义，缺乏个人观察与思考。如何设计教学环节来确保学生驾驭AI，而不是AI给什么就要什么，依赖AI替代创意？
A
回答人：张志斌
因为人都很懒——懒使科技进步，科技使人进步。目前教学中，我们会明确“人为主，机器为辅”的边界。教学中可能更多要主导学生做创意方向。
我一直在提一个方法叫“观察-AI拓展-重构”，称之为AI创作三步法：先进行实地或个人观察体验，然后用AI快速给出多种方案或风格参考，最后通过人工方式选择、重构。
我们在教学过程中也会不断让同学们做记录——比如提示词的修改过程、为什么要这样修改、AI是否理解、两次出图/出视频/出文案之间有没有达到创意目标。这叫做“提示词迭代日志”，对于驾驭AI的个体创作者是必须做的。如果不做，永远理解不到如何驾驭AI。
Q13
理想中，未来三到五年能够脱颖而出的AI剧作创作者，更像是一个会用AI的艺术家，还是更懂艺术的AI决策人？
A
回答人：张志斌
我先说答案：它其实更像一个懂艺术的AI决策人。
AI对于世界的理解跟人不一样。人会面临色声香味触法，面临对世界的感知——比如某天西伯利亚暖湿气流吹到身边，突然想起多年前失去的狗，这种东西AI理解不到。
AI是你告诉他：暖湿气流带来什么感受（皮肤潮湿、空气清新、闻到类似什么味道、阳光什么颜色、想起拉布拉多），明确表述后AI呈现。
